Sunday, February 26, 2006

Tori Amos - Boys For Pele (1996)


Tracks:
01 Horses Amos 6:07
02 Blood Roses Amos 3:56
03 Father Lucifer Amos 3:43
04 Professional Widow Amos 4:31
05 Mr. Zebra Amos 1:07
06 Marianne Amos 4:07
07 Caught a Lite Sneeze Amos 4:24
08 Muhammad My Friend Amos 3:48
09 Hey Jupiter Amos 5:10
10 Way Down Amos 1:13
11 Little Amsterdam Amos 4:29
12 Talula Amos 4:08
13 Not the Red Baron Amos 3:49
14 Agent Orange Amos 1:26
15 Doughnut Song Amos 4:19
16 In the Springtime of His Voodoo Amos 5:32
17 Putting the Damage On Amos 5:08
18 Twinkle Amos 3:12
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John Coltrane - Standards (1961 - 1965)


Tracks:
1. All Or Nothing At All
2. Greensleeves
3. Lush Life
4. Softly, As In A Morning Sunrise
5. I Want To Talk About You
6. The Inch Worm
7. Autumn Serenade
8. Feelin' Good
9. What's New
10. Out Of This World

Anna Maria Jopek - Secret (2005)

Artist: Anna Maria Jopek
Title of Album: Secret
Year of Release: 2005
Genre: Jazz, Vocal Jazz
Bitrate/Quality: 320 kb/s
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Tracks:
1. I Burn for you
2. Don't Speak
3. Insatiable
4. Cherry tree
5. Secret
6. The Wind
7. Moondance
8. A thousand Years
9. Untill You Sleep
10. Only Water
11. All The Virtues
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Pass: pshvetik

Thursday, February 23, 2006

ARISTA SON - BOLEROS (2005)

La música tradicional Colombiana tiene en el chocoano Aristarco Perea (ARISTA SON) a uno de sus más grandes exponentes. Como compositor tiene en su haber más de 340 letras, que se han convertido en testimonio fiel de experiencias propias o ajenas, todas ellas llenas de sentimiento. En Arista están presentes géneros como el Bolero, el Merengue Sibaeño, la Salsa Son y el Merengue Abosao.The Colombian folk music has in the chocoano Aristarco Perea (ARISTA SON) one of it's greatest exponents. As a composer he has more than 340 letters that have a faithful testimony of arista's or other people's experiences, all of them floods of feeling. In Arista Son are present rhythms like Boleros, Merengues Sibaeños, Salsas Son and Merengues Abosaos.

Pass: www.AvaxHome.ru

John Coltrane - Coltrane / Prestige 7105 (1957)

This CD reissue, Coltrane, brings back the music originally released as First Trane. The classic of the set is the emotional and eerie "While My Lady Sleeps," but all six selections (including "Violets for Your Furs") are notable for tenor saxophonist John Coltrane's passionate solos. This was his first full session as a leader (as opposed to heading jam-session dates), and it also features either Mal Waldron or Red Garland on piano, bassist Paul Chambers, drummer Al "Tootie" Heath, and on some numbers trumpeter Johnny Splawn and baritonist Sahib Shihab. As with 'Trane's other Prestige sessions, this valuable music is also available in his huge box set; recommended in one form or another. Recorded one month after DAKAR, COLTRANE explores many similar directions, and again features the tenor saxophonist as part of a three-horn front line, albeit with baritone saxophone and a trumpeter. It also showcases Texan Red Garland on the first three cuts, while DAKAR pianist Mal Waldron is featured on the final three. The rhythm team of Albert Heath and Paul Chambers gives COLTRANE a more centered rhythm feel than its predecessor, as the bass player's huge beat and elegant harmonic sense set the pace on both ballads and hard hard-driving swing pieces. Drummer Heath introduces "Bakal" with an African rhythm motif supported by bass and baritone counterpoint, as Coltrane and trumpeter Johnnie Splawn essay the chanting melody before breaking into a swinging bridge that is pure Max Roach-Clifford Brown in its steely articulation and sweet voicings. Garland's spacious, laid-back statement sets the stage for Coltrane's swaggering solo, in which he constructs long melodic refrains from splintered thematic scraps. Again, Coltrane's balance of ruminative and expressive materials is a sign of his growing maturity as an improviser. "While My Lady Sleeps" is given a haunting treatment, sleepwalking between an Arabic-flavored vamp and a dancing two-beat release, while "Violets For Your Furs" is a classic, one of Coltrane's most sumptuous and tender performances. "Time Was" finds the tenor alone, strolling along with the rhythm section at a jaunty medium tempo, leading to some of Coltrane's most expressive, probing solos of the date, even as the stop-time devices of "Chronic Blues" mirror the laid-back intensity of "Blue Trane."
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Tracks:
1.Bakai (8:45)
2.Violets for your furs (6:10)
3.Time was (7:25)
4.Straight street (6:15)
5. While your lady sleeps (4:36)
6. Chronic blues (8:00)
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Tori Amos - From the Choirgirl Hotel (1998)

Shortly before she began work on From the Choirgirl Hotel, Tori Amos suffered a miscarriage. While she was recording the album, she married her long-term boyfriend. As expected, both events cryptically wind their way into the album, which arguably has Amos' most personal lyrics since Little Earthquakes. The surprise is, From the Choirgirl Hotel is considerably more accessible than its immediate predecessor, Boys for Pele. Tori has opened up her sound by working live with a full band, bringing an immediacy to her sound that has never been heard before. Added to that are samples and drum loops, ballads supported by eerie, sweeping strings and heavy guitars — everything she played with on Pele has come to fruition here. All the while, she's kept the perversely cryptic, convoluted lyrics that have always marked her work, yet the lines that connect have more power and savage wit than ever. Besides, Amos' songs have an interior logic of their own. Until now, it seemed that she could only deliver them on her own, supported by her piano, a guitar, or strings. With From the Choirgirl Hotel, she proves that with a little aural experimentation and muscle, she's as potent and powerful as any modern rock artist.
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Tracks:
01 Spark Amos 4:13
02 Cruel Amos 4:07
03 Black-Dove (January) Amos 4:38
04 Raspberry Swirl Amos 3:58
05 Jackie's Strength Amos 4:26
06 Iieee Amos 4:07
07 Liquid Diamonds Amos 6:21
08 She's Your Cocaine Amos 3:42
09 Northern Lad Amos 4:19
10 Hotel Amos 5:19
11 Playboy Mommy Amos 4:08
12 Pandora's Aquarium Amos 4:45
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Tori Amos, Biografia

Esta gran artista tuvo unos primeros pasos un poco extraños si vemos cual ha sido su línea de música. Comenzó ha hacer heavy, aunque parezca mentira, pero la cosa no cuajo, es más fue un completo fracaso. Sin embargo, ella no perdió las ganas de hacer música y antes de 1990, Tori Amos (de verdadero nombre Myra Ellen Amos) había adoptado un nuevo estilo. Unas baladas con acompañamiento de piano con unas letras semiconfesionales, muy parecido a Bush, pero con unas melodías y un lirismo mas propio de Joni Mitchell . Atlantic patrocinó una gira Amos en 1991, donde ella realizó una serie de conciertos, en gran parte al éxito que tuvo Little Earthquakes, y su siguiente trabajo Under the Pink en el que se incluye una canción autobiográfica, contando la historia de una violación. Las criticas fueron positivas, al igual que las ventas. Maryland, fue el primer álbum como cantautora de Tori Amos, fue lanzado a finales de 1991, y las ventas fueron más que aceptables tanto en EE.Uu. como en U.K. En 1992 se lanza al mercado Peabody, que ofreció tres caratulas diferentes, la propia, una de Nirvana “Smells Like Teen Spirit” y otra de Led Zeppelin “Thank You” A principios de 1994 se comercializa, Under the Pink, que era la continuación de Little Earthquakes, convirtiéndose rápidamente en un gran hit, vendiendo un millón de copias de su menor éxito “God” y “Cornflake Girl” Dos años después Amos graba su tercer trabajo, Boys for Pele, el más ambicioso de todos. Consigue alzarse al número dos de las listas casi casi nada más salir al mercado y rápidamente consigue un disco de platino. Amos descansa hasta 1997, principalmente por motivos personales, entre los que cabe destacar un divorcio y una boda, y trabaja de mientras en su cuarto álbum The Choirgirl Hotel, que ve la luz en la primavera de 1998. To Venus and Back, un disco doble aparece a finales de 1999 coincidiendo en la gira con su amiga Alanis Morissette.

Roberto Carlos, "36 años de ramonticismo y poesia"

Desde From 1963 to 1998. 1987 to 1998
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Tracks:

Various Artists - Sunday Morning Songs

Tracks:

Macy Gray - On How Life Is

Macy Gray is such an assured, original vocalist that it's hard to believe On How Life Is is her debut album. She recalls a number of other vocalists, particularly jazz singers like Billie Holiday and Nina Simone, but she is unquestionably from the post-hip-hop generation, which is evident not just from the sound of the record, but the style of her songwriting, which is adventurous and unpredictable. Thankfully, she's worked with a producer (Andrew Slater, who pulled a similar trick with Fiona Apple's debut, Tidal) that lets her run wild and helps her find sounds that match her ideas. That's not to say that On How Life Is is a perfect album — at times, Gray attempts more than she can achieve — but it's always captivating, even during its stumbles. And when it works, it soars higher than most contemporary R&B.
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Tracks:
01 Why Didn't You Call Me 3:14
02 Do Something 4:57
03 Caligula 4:38
04 I Try 3:59
05 Sex-O-Matic Venus Freak 3:57
06 I Can't Wait to Meetchu 5:18
07 Still 4:15
08 I've Committed Murder 4:59
09 A Moment to Myself 4:00
10 The Letter 5:38
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John Coltrane - Spiritual

Tracks:
1. Welcome
2. A Love Supreme: Part 1 - Acknowledgement
3. Dear Lord
4. Song Of Praise
5. Wise One
6. Tunji
7. Ogunde
8. Spiritual

Sunday, February 19, 2006

Lito Nebia, "Solo se trata de vivir"

dicen que viajando se fortalece el corazon
pues andar nuevos caminos te hace olvidar el anterior
ojala que esto pronto suceda asi podra descansar mi pena
hasta la proxima vez

y asi encuentras una paloma herida
de haber amado y quebrantado una ilusion
seguro que al rato estara volando
intentando otra esperanza para volver a vivir

creo que nadie puede dar una respuesta
ni decir que puerta hay que tocar
creo que a pesar de tanta melancolia
tanta pena y tanta herida solo se trata de vivir

en mi alamanaque hay una fecha vacia
es la del dia que dijiste que tenias que partir
te ves andar por nuevos caminos
para descansar la pena hasta la proxima vez
seguro que al rato estaras amando
inventando otra esperanza para volver a vivir

creo que nadie puede dar una respuesta
ni decir que puerta hay que tocar
creo que a pesar de tanto melancolia
tanta pena y tanta herida solo se trata de vivir

dicen que viajando se fortalece el corazon
pues andar nuevos caminos te hace olvidar el anterior
ojala que esto pronto suceda asi podra descansar mi pena
hasta la proxima vez
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Saturday, February 11, 2006

Jimi Hendrix & Band of Gypsys, Fillmore East. 1.01.1970

58 min
DivX
720х528, 25 к/с
mp3 128 kbps
433 MB
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Andres Calamaro, "Ni Hablar"

Me desperte temprano hoy, estoy enamorado de tu voz
estoy viviendo un tiempo bueno, mi torax esta tan sensible que
no puedo hablar de ciertos temas extraño
a los amigosque no estan conmigo hoy!
perdi en el camino la conexion fue el manso clima que dio tu amor
ya me acostumbre hasta de los problemas
te escuche decir te devuelvo a la ciudad
no te puedo retener hace frio en el anden
y ahora sigo hablando solo con tú sombra atras de mí
Me desperte temprano hoy, estoy enamorado de tu voz
estoy viviendo un tiempo bueno
te escuche decir te devuelvo a la ciudad
no te puedo retener hace frio en el anden
y ahora sigo hablando solo con tú sombra atras de mí,
y ahora sigo hablando solo con tú sombra atras de mí.
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Thursday, February 09, 2006

Johnny Cash - American Recordings

The album opens with "Delia's Gone," a Cash original about murder that is both haunting and humorous. Several deftly chosen covers also appear, and Cash effortlessly makes each of them his own. One would be hard-pressed to think of a more perfect song for Cash to cover than Nick Lowe's "The Beast in Me." There is no one more qualified to perform a song asking God for salvation from one's inner demons than Johnny Cash. The diverse list of writers who also contribute songs includes Leonard Cohen, Kris Kristofferson, Glenn Danzig, and Tom Waits. Cash deftly applies his signature baritone and rhythmic guitar work to each track and creates what is ultimately a stark, foreboding, and supremely enjoyable album. For some reason, two tracks are live recordings from a performance at L.A.'s ultra-trendy Viper Room. The audience offers a few hoots and hollers, but it's unclear if it's because they're having a good time or because they think that's what country audiences are supposed to do. Taking Cash to the hipsters ultimately worked, as American Recordings was embraced by the alt-rock audience. "Delia's Gone" popped up on MTV and college radio, and Cash was a hit with a generation of listeners who had yet to be born when he had his first hit. American Recordings also garnered the 1995 Grammy Award for Best Contemporary Folk Album.

Leonard Cohen - Various Positions

Tracks:
1. Dance Me To The End Of Love
2. Coming Back To You
3. The Law
4. Night Comes On
5. Hallelujah
6. The Captain
7. Hunter's Lullaby
8. Heart With No Companion
9. If It Be Your Will
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Pass: www.AvaxHome.ru

Leonard Cohen - Ten New Songs

Tracks:
1. In My Secret Life
2. A Thousand Kisses Deep
3. That Don't Make It Junk
4. Here It Is
5. Love Itself
6. By The Rivers Dark
7. Alexandra Leaving
8. You Have Loved Enough
9. Boogie Street
10. The Land Of Plenty
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Leonard Cohen, Biografia


Pocos habrán sido los judios , todos ellos víctimas de una severa tradición compuesta únicamente por fósiles de visiones, que no hayan sufrido las punzantes espinas de la emigración en su propia piel. Los Cohen están marcados de cicatrices. Los Cohen han abandonado el viejo y agotado continente, con un adiós en sus labios a muchas ilusiones perdidas, y una nueva esperanza puesta en una tierra casi pueril: América, nueva patria de los desheredados, un poco de tierra, un poco de paz. Se han establecido en Montreal, ciudad casi hipnotizada por los largos brazos en alto de sacerdotes católicos, que, en la noche , cuando todas las luces se han apagado, se deja escurrir lentamente en sigiloso silencio, hasta las frías aguas del Atlántico. Montreal ha tratado bien a los Cohen , son propietarios de una fábrica de tejidos , y viven en la parte alta , " señorial ", de la ciudad. Crearon y presidieron casi todas las instituciones de la comunidad judía de Montreal. Por la ciudad corría un dicho: " .. los judios son la conciencia del mundo, y los Cohen son la conciencia de los judíos...."( " y yo soy la conciencia de los Cohen", añadía Leonard en su juventud.)". Leonard Cohen nace en 1.934. Su padre, un amante de la época victoriana, a la que amó con todo su tabaco; un eterno guerrero que muestra con orgullo las heridas sufridas en el campo de batalla, las medallas con las que le condecoró la Legión Canadiense; un chiflado por sus máquinas, que se pasa la vida en cama o en una campana de oxígeno en un hospital. Su madre, demasiado preocupada, obsesionada por las formas de la belleza, enfrentada continuamente a un espejo de aumento, siempre a la caza de arrugas. Su padre murió entre viejas máquinas de coser. El eco de puentes y de agua entre sus manos. Leonard tenía nueve años. Realiza sus estudios primarios en una escuela hebraica. Se ha adelantado a todos sus compañeros, y ha sido el primero en elevar la voz por encima del púlpito para cantar la oración sagrada ( por algo su abuelo construyó la sinagoga ). Pero , Leonard, también se siente interesado por la religión católica : " Hay una diferencia entre lo que es limpio y lo que no es limpio. La noción de lo limpio y de lo no limpio, se llamarían vibraciones, un sentimiento que te indica dónde debes estar y dónde no debes estar.La religión puede ser un sistema de purificación, una técnica que te permita pasar del mundo no limpio al mundo limpio. Para mí, la religión es ese movimiento entre los dos mundos.". Pronto descubre Leonard su afición por la música y la literatura. A los quince años ya se conoce de cabo a rabo el libro de Canciones del Pueblo, y forma parte de un grupo de tres muchachos que tocan música country, " The Bucckskin Boys ". Pero, sobre todo, lo que va a convertirse en un verdadero hallazgo para Leonard , será descubrir un libro de poemas de un autor español, que desde ahora va a llevar siempre consigo, hasta que empieze a perder páginas. El poeta es Federico García Lorca. La influencia que Lorca va a tener sobre el futuro poeta, no sólo en cuestión de poesía , sino también en la concepción de la vida, será trascendental. Cohen lo reconocerá un tiempo más tarde : " Lorca cambió mi manera de ser y de pensar en una forma radical". A los dieciseis años, Leonard ingresa en la universidad de McGill, en Montreal, para estudiar Literatura Inglesa, y en su tercer año de carrera, abandona el techo familiar para irse a vivir con un amigo a un piso en el centro de la ciudad. Las relaciones de Leonard con su madre nunca habían sido demasiado cordiales, y esta nueva decisión suya, va a ocasionar un nuevo enfrentamiento entre madre e hijo, enfrentamientos que se sucederán repetidamente, alcanzando en cada nueva ocasión un mayor grado de violencia. Su madre, al borde de la histeria acabará siendo intemada, con el paso del tiempo, en un hospital siquiátrico. Leonard se ha sentido ahora interesado por la política, y acude a las reuniones organizadas por un Club comunista de Montreal. Después, baja a la playa, toca la guitarra, canta las Canciones del Pueblo, y les habla a los bañistas: "No hablo ni de Rusia ni de América. Ni siquiera de política. Hablo de vuestros cuerpos, los que están tumbados en esta playa". Terminada su carrera universitaria, Cohen obtiene una beca para hacer su tesis de licenciatura en inglés en Columbia, pero la rechaza: "La gente en las aulas envejece con las manos reventadas de comas, y la edad de los poetas es siempre la misma, veintitrés, veinticinco, diecinueve" . Cohen, poco a poco, meditando con detenimiento cada paso, lo ha abandonado todo: hogar, familia, comunidad religiosa, estudios, política, y ahora, desolado, con una mano en el suicidio y en la otra una rosa, apoyado en el antepecho de la ventana de su habitación, vuelve a su escritorio y destila, en el pequeño laboratorio que es su cerebro, las palabras mágicas. En 1956, cuando Cohen tiene 21 años, aparece publicado su primer libro de poesía, "Let Us to Compare Mythologies"("Vamos a Comparar Mitologías"), con alrededor de unos 45 poemas que ha escrito entre los 15 y los 20 años, y que, dedicado a su padre, Nathan B. Cohen, inaugura una colección de poesía en la Universidad de McGill. La advertencia del título es clara, "Vamos a Comparar Mitologías" es un libro que contiene, en casi todas sus páginas,las huellas que las religiones católica y judía han dejado grabadas en alguna parte del autor. "Cuando yo era joven aprendí de los cristianos cómo prendimos a Jesús, como una adorable mariposa contra la madera, y cómo mis padres lo clavaron como un murciélago contra un granero." El poema "La Oración por el Mesías" es de una belleza sencilla y resplandeciente, quizás inspirada en alguna línea del Diario de su abuelo, a quien su nieto admira, las imágenes se suceden repetidamente barajadas, como el paso del agua de un lento río: "Su sangre sobre mi brazo es cálida como un pájaro / su corazón en mi mano es pesado como el plomo / sus ojos a través de mis ojos brillan más que el amor Oh envía al cuervo por delante de la paloma..." Cohen comenta, a lo largo de su primera obra, antiguas experiencias bíblicas, dándoles, en su visión particular, una nueva dimensión en el alcance de su comprensión, a veces, utilizando giros guiñolescos que resultan atrevidos, otras, transportándolas a través de la máquina del tiempo al mundo presente, en un intento desesperado de recuperar y rehacer el pasado, como por ejemplo el poema titulado "Cristo en la Ciudad", en el que vemos al Hijo de Dios soportando los tranvías de la mañana en una habitación de Peel Street. Realmente,sus comentarios religiosos abarcan una buena parte del libro,y casi podríamos calificarlo de "nuevo libro santo", si no fuera por las también continuas apariciones de los dulces pechos y las bocas de miel de sus amantes. Hay una tormenta en el horizonte de cada poema, un desenfreno y abusivo ataque del cielo contra el mar. El agua se revuelve retorciéndose de dolor, y las olas vienen impetuosas,con una fuerza arrolladora, para terminar en la orilla, con la suave música de sus rimas. Sobre la arena de la playa, descansa el cuerpo extenuado de un hombre exhausto, hambriento por la vida. Pero, a Leonard no le gusta ver su libro en las bibliotecasde sus amigos y familiares. No era asunto de ellos enterarse de cómo, lucían los pechos de sus amantes a la luz de la luna artificial de Stanley Street. Se sentía desprovisto de vida privada,de límites, de discreción. "Lo único necesario para ser generalmente amado, es publicar las propias ansiedades. Toda empresa capital de arte es un despliegue calculado de sufrimiento.".Y, por eso, para expiar su pecado, y porque seguramente el libro no le daba lo suficiente para vivir, Leonard entra a trabajar en una fundición de cobre, en la ribera de la ciudad. El brillo del metal maravillaba a Cohen. Era del color que debía de tener el oro, como siempre se lo había imaginado cuando leía la palabra en oraciones y poemas: Amarillo vivo y chillón. Pero no fue su trabajo manejar el metal líquido, sino sacar unos cables eléctricos con la ayuda de unas pinzas. La jornada laboral era de siete y media a cinco y media, con media hora para comer, y el sueldo 75 centavos a la hora. Pero el aburrimiento lo mataba, el trabajo manual no lograba liberar a su mente y, un día, después de casi un año de estar fichando todas las mañanas, se da cuenta de que ha estado tarareando la misma melodía durante una hora y, sin poder pasar por alto ese absurdo, se despide. Cohen abandona Montreal y, con la excusa de asistir a las clases de la Universidad de Columbia, viaja a Nueva York. Pero,Leonard en lo que menos piensa es en estudiar. El motivo de su viaje: buscar las legiones que tenían que hacer de él un héroe. Cohen se pierde por las calles de la ciudad, estudia los graffitis garabateados en las paredes del metro, y descubre ese mundo tan terriblemente inhumano del que seguramente Lorca ya le habría hablado. Huye de Harlem, presencia un asesinato en la escalera del metro, vomita de regreso a su habitación, y se queda rígido sobre la cama. Imposible mover un músculo. "Me tiene sin cuidado a quién hayan asesinado.Me tienen sin cuidado las cruzadas que se planean en históricos cafés. Me tienen sin cuidado las vidas destrozadas en los arrabales." Pero, Cohen ha descubierto en uno de sus habituales paseos a la chica más bonita que jamás haya visto y la sigue: "Es usted maravillosa, pienso". Leonard, con el corazón atravesado por un dardo, le escribe a su amor los únicos poemas que ha escrito en su vida. Cohen se ha sentido tentado por el matrimonio, por ser un ciudadano normal, con su mujer y su trabajo, pero es incapaz de arriesgar su vida, no puede vivir en otro punto que no sea la esperanza, y, una noche, mientras vela el sueño de su amada,decide irse a la mañana siguiente. ­Si no estaría mirándola siempre! Cohen regresa a Montreal para trabajar en un campamento de verano, que dirige un amigo suyo, como celador de un grupo de niños judíos de familia bién. 1961, año de gran tensión internacional. La CIA bombardea Cuba. La Bahía Cochinos ha sido ocupada en un desembarco hostil al régimen castrista. Es un momento que reclama acción, y Cohen viaja a Cuba. Pero, una vez en la isla, Leonard se da cuenta de que él mismo es exactamente la clase de enemigo que los filisteos habían descrito: "Burgués, individualista,un poeta inmoderado", y, dejando a un lado la revolución, ningún bando valía la pena por el que luchar, convive con gente al margen de la política: alcahuetes, ambiciosos, prostitutas,casi todos los operadores de películas nocturnas, y, entre chinos y técnicos checoslovacos, se siente el único turista en La Habana. Pocos son los rastros dejados sobre la obra de Cohen que resulten identificables con la corta estancia del poeta en la isla, salvo dos poemas aparecidos en su libro Flores para Hitler, titulados "El único turista en La Habana dirige sus pensamientos hacia su país", y "La Muerte de un líder", que posiblemente pudiera tratarse de Batista. Otro poema sorprendentemente hallado en su último libro de poesía La Energía de los Esclavos, publicado en 1974, fue escrito también en La Habana trece años antes de convertirse en letra impresa. Ese mismo año aparece publicado el segundo libro de poemas de Cohen, The Spice-Box of Earth (La Caja de Especias dela Tierra), que dedica a la memoria de su abuela, Mrs. Lyon Cohen, y de su abuelo, Rabbi Salomon Klinitsky, de quien incluye en las últimas páginas del libro unas líneas de su Diario personal. Ciertamente, el espíritu de la religión judeo-cristiana continúa vivo en el mundo personal de Cohen, y a él dedica su atención en este libro, en vastos poemas, como el titulado "Isaías",en el que reaviva la memoria del profeta loco, seguramente su preferido: "Entre las montañas de especias / las ciudades impulsan cúpulas de perlas y agujas de filigrana / Nunca fue antes Jerusalén tan hermosa. / ... Por qué entonces ese loco de Isaías, que olía a desierto, rabiaba y gritaba / Jerusalén est en ruinas / vuestras ciudades están ardiendo?", o en numerosas alusiones bíblicas que introduce entre líneas, casi sin darnos cuenta, en poemas no estrictamente "religiosos". Pero este libro tiene una luz especial, un colorido de tonos suaves, relajante, que impregna un paisaje de ensueño. Una fragancia flota en el aire, la caricia de una mano con el perfume de mil flores arrancadas, el color puro y vivo rojo de la sangre limpia que el río sangra. Cohen ha creado un estilo intensamente bello, lírico y profundo, que se eleva como una cometa sin hilo por encima de las abismales experiencias de un hombre comprometido con su vida. Una palabra no es más importante que otra, y en esa honestidad está la intensidad de los poemas de La Caja de Especias de la Tierra. Los nombres que revelan la admiración y el interés personal de Cohen por la obra y la vida de diversos artistas comoVincent y Theo Van Gogh, a cuya memoria dedica un soleado poema escrito sobre sus tumbas, el pintor ruso Marc Chagall, que ilustró detalles de la Biblia y construyó las vidrieras de la sinagoga del centro médico de Jerusalén, con escenas de la tribu de Israel, los ya mencionados Irving Layton y Abraham Klein, la aproximación a la belleza de la visión poética de Lorca en alguno de sus poemas de este libro como: "Un Huerto de Arboles Ribereños" o "Si Fuera Primavera", y su encantamiento por la poesía oriental de la cual nos ofrece como ejemplo un maravilloso y silencioso Haikú de Verano: "Silencio / y un silencio más profundo / cuando los grillos dudan", son otros ingredientes que alegran el sabroso menú de este libro sazonado de especias de la tierra. Cohen ha obtenido por este libro un premio en metálico del gobiernocanadiense, lo que le va a permitir viajar a Europa y, desde aquí, llegar a Grecia.Ya en su primer libro de poemas, Vamos a Comparar Mitologías, Cohen había reflejado en sus páginas su interés particular por la cultura helénica, y mediterránea en general, de la que se sirve para redactar algún poema: "Yo os digo, pueblo mío, las estatuas son demasiado altas. / Junto a ellas nosotros somos pequeños y feos, / manchas en el pedestal..." .Pero, Cohen ahora ha tocado con sus propios dedos esas pequeñas islas maravillosas que salpican las costas griegas, acariciadas por un lento mar, y agradecidas bajo un tibio sol, ha conocido a la chica más alta y más rubia de una de ellas, Hydra, digna hija de vikingos, y se queda a vivir con ella ocho años. Los quehaceres cotidianos del joven poeta en Grecia, nos muestran a un Cohen festivo, bailando con una señorita una danza folklórica griega, animada por el alegre sonido de un viejo acordeón, reunido con un grupo de amigos alrededor de una mesa de la taberna del pueblo pesquero que solía frecuentar, tocando la guitarra rodeado de niños y nativos isleños,cocinando en su blanca casa de cal, tumbado en una hamaca tomando el sol, o enfrentado a su máquina de escribir. Realmente, ésa fue una hermosa época de trabajo: Flowers for Hitler (Flores para Hitler) y Parasites of Heaven (Parásitos del Paraíso), y sus dos primeras novelas: The Favorite Game (El Juego Favorito) y Beautiful Losers (Los Hermosos Vencidos). 1966 ve aparecer los dos últimos libros de Cohen inspirados en Grecia, Parásitos del Paraíso, poesía, y Los Hemosos Vencidos, novela, títulos que encierran en sí mismos una extraordinaria fuerza y una aparente contradicción, o como en otro libro posterior de poemas, La Energía de los Esclavos, la existencia de parásitos en el Paraíso, la calidad de hermosos de los vencidos, y la redescubierta inherente energía de los esclavos, son títulos que no descansan plácidamente en reposo, sino en ellos se manifiesta muy vivamente una tensión. La obra de Cohen es una constante, una mezcla de sabores que hacen de cada retazo suyo un manjar exquisito. Su novela alcanza un éxito extraordinario, se vende como agua en el desierto, trescientos mil ejemplares son devorados en pocos días en Estados Unidos, sin contar sus continuas reediciones. Quizá la atrayente atención sobre la portada de la edición original de la novela, tuvo algo que ver con ello, un dibujo a trazos rápidos en condición bastante erótica, con una pareja abrazada ensimismada en un juego amoroso, y la fuerte palabra "unexpurgated" (no expurgado)destacando entre líneas, dan la impresión de tener en las manos una novela poco "seria", cuando, en realidad, para muchos, Los Hermosos Vencidos, es el punto culminante alcanzado en la obra de Leonard Cohen: "Creo que en Los Hermosos Vencidos dí todo lo que tenía en aquellos momentos. He intentado realizar el don total, a veces lo he conseguido, otras he fracasado, pero siempre es una prueba de carácter. Quiero dominarme a mí mismo.". Uno de los personajes de la novela con historia, tan lejano como santo, tan cercano como vencido, a los otros nombres que corren por las páginas del libro, es Catherine Tekakiwtha (1656-1680), virgen iroquesa canadiense, canonizada por la Iglesia Católica Romana de Quebec, tras una corta pero intensa vida de mortificaciones. "Te he seguido, Catherine Tekakiwtha.Quiero saber lo que pasa debajo de esa manta rosada. Me enamoré de un cuadro religioso que te representaba. Estabas de pie entre unos abedules, mis árboles favoritos. Dios sabe hasta dónde llegaban los cordones de tus mocasines. Catherine Tekakiwtha, he venido a rescatarte de los jesuitas. Sí, un viejo erudito como yo se atreve a planear grandes hazañas". El intento desesperado de Cohen por recuperar el pasado, se vuelve a poner de manifiesto en estas líneas, en las que el insatisfecho poeta se niega a la idea de la carne muerta, y asegura tener magia en los dedos corriendo por la piel de sus mujeres santas. "Te conocí / justo después de que la muerte / llegara a ser verdaderamente dulce / Tenías / 24 años /Juana de Arco. Te perseguí / con todo mi arte / con todas mis cosas / tú sabes que yo soy un dios / que necesita usar tu cuerpo / que necesita usar tu cuerpo / para cantar a la belleza / de una manera / que nadie lo ha hecho antes / tú eres mía / eres una de mis últimas mujeres." . Y ésta no es la única vez que la imagen obsesiva de la santa Juana de Arco ronda, como víctima de su ambición por la cabeza desprovista de lógica del poeta. Cohen puede ser criticado por esto, a muchos no les gustar ver a su cantante favorito persiguiendo santas como un desesperado, cuando hoy la idea de la religión y sus motivaciones están muy lejos del hombre "liberado". Cohen salva a los santos, sinceramente entregados a sus creencias, irresistiblemente arrastrados por una fuerza interior, pero condena de un modo tajante a las instituciones culpables de una vil manipulación: "Acuso a la Iglesia Católica Romana de Quebec de destrozar mi vida sexual y de embutir mi miembro en un relicario destinado a guardar un dedo. Acuso a la I.C.R. de Q. de obligarme a cometer actos extraños y horribles . Acuso a la Iglesia de matar indios, acuso ......".
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Discografia:
Songs of Leonard Cohen (1967)
Songs from a Room (1969)
Songs of Love and Hate (1971)
Live Songs (1973)
New Skin for the Old Ceremony (1974)
Death of a Ladies' Man (1977)
Recent Songs (1979)
Various Positions (1984)
I'm Your Man (1988)
The Future (1992)
Cohen Live (1994)
Field Commander Cohen: Tour of 1979 (2001)
Ten New Songs (2001)
Dear Heather (2004)

The Animals (Eric Burdon), Biografia

Los Animals formaron parte de la escena del blues británico de inicios de los 60 y fueron uno de los contingentes más importantes de la invasión británica. Originarios de la ciudad porturaria Newcastle-on-Tyne en el noreste de Inglaterra, los Animals ayudaron a definir el rock and roll a partir de una fuerte base de blues. De hecho, mucha de su producción se basa en el “rithm and blues” combinado con una visión de mundo proveniente de la clase trabajadora inglesa de la posguerra. Los Animals empezaron tocando Blues porque, además de ser lo que hacían bien y disfrutaban, era lo que llegaba desde Estados Unidos como “la música”. Es por eso que sus primeros temas son interpretaciones de temas originales de John Lee Hooker, Sam Cooke, Chuck Berry, Ray Charles y Bo Diddley. La banda inicialmente se llamó el “Alan Price Combo”, pero con la llegada de Eric Burdon en 1962 cambiaron su nombre a los Animals. Las primeras presentaciones significativas se dieron en Hamburgo (igual que los Beatles) en temporadas de un mes durante 1963. Otra forma de trabajo era como banda de apoyo a artistas norteamericanos del blues como John Lee Hooker o Sonny Boy Williamson en sus visitas a Inglaterra. El despegue definitivo vino cuando se mudaron a Londres en 1964, a sabiendas de que era allí donde estaba la escena musical inglesa. Tocando en un club nocturno conocen al que sería su representante hasta 1965: Mickie Most. Con él firmaron su contrato de grabación con EMI. El contrato duraría hasta inicios del 66 cuando se pasaron a Decca porque no estaban de acuerdo con la música que los ponían a tocar, incluidos algunos éxitos como "It's My Life". A finales de ese año lanzaron “La Casa del Sol Naciente”, un arreglo de un tema folk de Josh White y Bob Dylan, que los llevaría a ser el segundo grupo británico en lograr un número uno en Estados Unidos después de los Beatles. El tema mismo se convertiría en un punto de inflexión en la historia del rock después de estar 3 semanas en la cima en norteamerica, empatando a “Can't Buy Me Love”. El éxito del tema fue doblemente impresionante si se toma en cuenta de que habla de una casa de prostitución en Nueva Orleans y que su duración supera los cuatro minutos, una eternidad en aquella época de canciones de dos minutos y medio. El cantante de la banda, Eric Burdon, estaba entre los intérpretes del R&B más prominentes de los años sesenta. Su voz cargada de sentimiento le dio más fuerza y sentido a canciones como "It's My Life" y "We Gotta Get Out of This Place" que más tarde se convertirían en representaciones de la forma de pensar de una generación. El sonido de la banda, en parte, se definía por la forma en que Alan Price hacía pesar el órgano en las composiciones, lo que le daba una atmósfera entre el jazz y el blues. “La Casa del Sol Naciente” es un ejemplo de esa visión de mundo. Junto a Burdon y Price, la banda estaba conformada por el bajista Chas Chandler (quien manejaría una parte de la carrera de Jimi Hendrix), el baterista John Steel y el guitarrista Hilton Valentine. Detrás de “La Casa del Sol Naciente”, los Animals importaron a Estados Unidos siete temas que llegarían a colocarse entre las cuarenta más populares de la lista Billboard. Se cuentan entre ellas “Don't Let Me Be Misunderstood”, “We Gotta Get Out of This Place”, “It's My Life” y “Don't Bring Me Down”. Estas canciones son marcas claras de todo lo que vino de Inglaterra a inicios de los 60. El centro temático de los Animals es la identificación apasionada con la forma de vida de la clase trabajadora. Eso mismo inspiraría a Bruce Springsteen en muchas de sus obras. Entre 1964 y 1965, la formación original de los Animals presentó únicamente 3 LPs: “The Animals”, “The Animals On Tour” y “Animal Tracks”. En 1966, cuando se lanzan los grandes éxitos de la banda, el grupo se estaba separando. Sin embargo, el disco fue uno de los más vendedores de la época. El grupo empezó a separarse cuando Price abandonó el grupo a mediados del 65 por miedo a volar y porque tenía diferencias con Burdon. El siguiente en dejar el grupo fue John Steel, el baterista, en marzo del 66 y en setiembre el resto de la banda dijo “hasta aquí”. Sin embargo, Eric Burdon rearmó la banda y la renombró como “Eric Burdon and The Animals”. La formación produjo varios éxitos de la era psicodélica como “When I Was Young”, "Monterey" y "San Franciscan Nights", que además definieron el carácter innovador de la nueva agrupación. En 1969 publicarían un doble álbum llamado “Love” y en él se incluyó el último gran éxito de la banda: “Sky Pilot (Primera Parte)”. El aporte del disco está en términos de la calidad musical y de lo innovador que era aún para la psicodelia. También en ese álbum se incluye el trabajo de Andy Somers que más tarde entraría a Police. En los años 70, Burdon se asoció a una banda de músicos negros llamados “War”. Fue con ellos que grabó el sencillo “Spill the Wine” y dos LPs. Sin embargo, tomaron caminos separados y Burdon se dedicó a ser solista, grabando menos y viajando más. Por su parte Alan Price volvió a Inglaterra y se dedicó a su propia carrera, destacándose la producción de la banda de sonido de la película “O Lucky Man!” de 1973. Chas Chandler descubriría el enorme talento de Jimi Hendrix y se convertiría en su representante. La banda se volvió a encontrar en 1977 para grabar “Antes fuimos abruptamente interrumpidos” y en 1983 lo hicieron para los discos “Ark” y “Rip It to Shreds”.

Bob Dylan - MTV Unplugged

Tracks:
01. I Want You
02. Don't Think Twice
03. Hazel
04. Everything Is Broken
05. The Times
06. Dignity
07. Absolutely Sweet Marie
08. My Back Pages
09. Tonight I'll Be Staying Here With You
10. Desolation Row
11. I Want You
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pass: dignity

Bob Dylan - The Freewheelin' (1963)

Released in March of 1963 this album, unlike his first, consists mostly of songs by Mr. Dylan himself. The songs, everyone a gem, seem to be a running commentary on what it must have been like to be in young in the early Sixties and getting mixed messages from those in power. JFK was alive with the promise of hope and a New Frontier, yet the war in Vietnam was hotting up.Songs like the lead off "Blowin' in the Wind," "Talking World War III Blues," "A Hard Rain," and "Masters of War," which appears to be just as relevant now as it was forty years ago, seem to be a somber message of the turbulent times to come.With "Don't Think Twice," "Girl From the North Country," and "Corrina, Corrina," Mr. Dylan shows us that he's not just about protesting and complaining, that he can sing the tender ballads as well, and why not, this was a time of hope, there was tenderness in 1963, however there were storm clouds on the horizon, Dallas and a full blown war were coming and this record seems to be a warning.
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Tracks:
1. Blowin' In The Wind
2. Girl From The North Country
3. Masters Of War
4. Down The Highway
5. Bob Dylan's Blues
6. A Hard Rain's A-Gonna Fall
7. Don't Think Twice, It's All Right
8. Bob Dylan's Dream
9. Oxford Town
10. Talking World War III
11. Corrina, Corrina
12. Honey, Just Allow Me One More Chance
13. I Shall Be Free
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Bob Dylan - Desire (1975)

Tracks:
01 Hurricane 8:33
02 Isis 6:58
03 Mozambique 3:00
04 One more cup of coffee 3:45
05 Oh, sister 4:02
06 Joey 11:05
07 Romance in Durango 5:41
08 Black Diamond bay 7:32
09 Sara 5:30

Bonus:
10 One more cup of coffee from Robert Plant
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pass:www.AvaxHome.ru

Wednesday, February 08, 2006

Tori Amos - Little Earthquakes (1992)

With her haunting solo debut Little Earthquakes, Tori Amos carved the template for the female singer/songwriter movement of the '90s. Amos' delicate, prog rock piano work and confessional, poetically quirky lyrics invited close emotional connection, giving her a fanatical cult following and setting the stage for the Lilith Fair legions. But Little Earthquakes is no mere style-setter or feminine stereotype — its intimacy is uncompromising, intense, and often far from comforting. Amos' musings on major personal issues — religion, relationships, gender, childhood — were just as likely to encompass rage, sarcasm, and defiant independence as pain or tenderness; sometimes, it all happened in the same song. The apex of that intimacy is the harrowing "Me and a Gun," where Amos strips away all the music, save for her own voice, and confronts the listener with the story of her own real-life rape; the free-associative lyrics come off as a heart-wrenching attempt to block out the ordeal. Little Earthquakes isn't always so stomach-churning, but it never seems less than deeply cathartic; it's the sound of a young woman (like the protagonist of "Silent All These Years") finally learning to use her own voice — sort of the musical equivalent of Mary Pipher's Reviving Ophelia. That's why Amos draws strength from her relentless vulnerability, and that's why the constantly shifting emotions of the material never seem illogical — Amos simply delights in the frankness of her own responses, whatever they might be. Though her subsequent albums were often very strong, Amos would never bare her soul quite so directly (or comprehensibly) as she did here, nor with such consistently focused results. Little Earthquakes is the most accessible work in Amos' catalog, and it's also the most influential and rewarding.
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Tracks:
01 Crucify Amos 4:58
02 Girl Amos 4:06
03 Silent All These Years Amos 4:10
04 Precious Things Amos 4:26
05 Winter Amos 5:40
06 Happy Phantom Amos 3:12
07 China Amos 4:58
08 Leather Amos 3:12
09 Mother Amos 6:59
10 Tear in Your Hand Amos 4:38
11 Me and a Gun Amos 3:44
12 Little Earthquakes Amos 6:51
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Pass: www.AvaxHome.ru

Hugo Wolf, Obras

Obras:
1897 - Michelangelo Lieder - Wohl denk Ich oft

Otras Obras...
Penthesilea (poema sinfónico)
Cuarteto para cuerda (1880)
Spanisches Liederbuch (1891)
Italienische Serenade (1892)
Italienisches Liederbuch (1896)

Hugo Wolf, Biografia

Compositor austriaco, nacido en Windischgraz Estiria (actualmente Slovenjgradec, Eslovenia), estudió en el conservatorio de Viena. En 1884 empezó a trabajar como crítico musical para Salonblatt, una revista vienesa pero su vida fue trágica. Había sido expulsado del conservatorio y su existencia era precaria. A partir de 1897 se dedicó totalmente a la composición y al estudio musical. En 1897 a los 37 años enfermó mentalmente y fue internado para el resto de su vida en una institución. Wolf, que desarrolló el lied alemán hasta alturas de gran sutilidad y complejidad, realizó en sus casi 300 canciones una admirable síntesis de elementos poéticos y musicales. Algunos ven en él al gran continuador de Schubert. Para sus obras Wolf utilizaba textos de los principales poetas alemanes, como Eduard Mörike, Joseph Eichendorff y Johann Wolfgang von Goethe. Los Spanisches Liederbuch y Italienisches Liederbuch (2 volúmenes, 1891, 1896) contienen canciones con temas musicales españoles e italianos y poemas alemanes. Otras obras de Wolf son el poema sinfónico Penthesilea, un Cuarteto para cuerda (1879-1880), la Italienische Serenade (1892) y la ópera Der Corregidor (1895) (inspirada en el escritor español Pedro Antonio de Alarcón). En sus críticas musicales en Viena tomó partido por Wagner frente a Brahms precisamente cuando el prestigio de éste era enorme.

Robert Schumann, Obras

Obras:
1835 - Carnaval, opus 9 - Marcha de Davidsbundle
1838 - Escenas de niños, opus 15 - Traumerei
1838 - Kreisleriana, opus 16 - 2º Movimiento
1845 - Concierto para piano, opus 54 - Allegro
Sinfonias:
1841 - Sinfonía nº 1 "Spring" - 1º Movimiento

Robert Schumann, Biografia

Compositor alemán, uno de los máximos exponentes del movimiento musical romántico del siglo XIX. Nació el 8 de junio de 1810 en Zwickau, Sajonia, y estudió en las universidades de Leipzig y Heidelberg. Al ser hijo de un librero, mostró precoz interés por la literatura, en especial por los escritores alemanes Johann Wolfgang Goethe, E.T.A. Hoffmann y Johann Paul Richter. En 1830 abandonó sus estudios de derecho para dedicarse exclusivamente a la música. Estudió piano con el maestro alemán Friedrich Wieck, pero una lesión irreversible en uno de sus dedos terminó con su carrera como pianista. Se dedicó entonces a la composición y a escribir sobre música. En 1834, en un intento de luchar contra lo que denominó 'filisteismo artístico', fundó la revista musical Neue Zeitschrift für Musik, que editó hasta 1844. Schumann se casó en 1840 con la pianista Clara Josephine Wiek, hija de su maestro. Clara Schuman fue un punto clave en la interpretación de su música para piano. En 1843 el recién fundado Conservatorio de Leipzig solicitó los servicios de Robert para formar parte del profesorado, pero, después de intentarlo, se sintió incapaz de enseñar y abandonó el puesto. En 1850 fue nombrado director musical en Düsseldorf, pero una enfermedad mental, que padecía desde la adolescencia, le hizo dimitir en 1854. Ese mismo año, tras un intento de suicidio, fue ingresado en una clínica para enfermos mentales en Enderich, cerca de Bonn, donde el 29 de julio de 1856 murió. Como uno de los arquetipos entre los compositores románticos, Schumann se identificó con dos figuras imaginarias, el enérgico Florestan y el poético Eusebius, nombres con los que firmaba sus artículos y cuyos retratos representó en la suite para piano Carnaval (1834-1835). Durante 1840, tras su boda con Clara Wieck, se dedicó a componer canciones. Compuso ciento treinta y ocho, entre las que se encuentran las colecciones de Liederkreis (dos ciclos con textos de Heinrich Heine y Joseph Eichendorff), Myrthen (con textos de varios poetas), Amor y vida (con texto de Adelbert von Chamisso), y Los amores del poeta (sobre textos de Heinrich Heine). Supo poner de manifiesto el sentido profundo de los poemas y otorgó a la parte de piano el papel de expresar los sentimientos y significados de cada uno de ellos, incluyendo con frecuencia largos epílogos al final de cada canción.

Las composiciones de Schumann para piano suelen ser expresiones musicales sobre temas literarios y estados de ánimo. Con excepción de la Fantasía en do mayor (1836) y los Estudios sinfónicos (1854), sus obras para piano son colecciones de piezas cortas en las que una pequeña idea deriva en la creación de toda la obra a través de una sencilla organización. Además del Carnaval, compuso Mariposas (1829-1832), Escenas de niños (1838), Kreisleriana (1838) y Album para la juventud (1848). A pesar de que en sus obras largas no consiguió la unidad formal que poseen las canciones y las piezas para piano solo, sí logró música de gran belleza, a la vez que dramática. Son de resaltar la Sinfonía nº 1 (1841), el Quinteto para piano en mi bemol mayor (1842), el Concierto para piano en la menor (1845), la Sinfonía nº 2, la Sinfonía nº 3 Renana (1846), y el Trío para piano (1847). La Sinfonía nº 4 fue totalmente innovadora, ya que los cuatro movimientos aparecen unidos y se ejecutan sin interrupción. Otras composiciones son el coral El paraíso y la Peri (1843), y una ópera, Genoveva (1847-1848), que no tuvo demasiado éxito.

Thursday, February 02, 2006

El mejor de los encuentros entre Monk y Coltrane

El dramaturgo Amiri Baraka (antes conocido como Leroi Jones) sostuvo en su libro "Black Music" que la aceptación y el reconocimiento hacia Thelonious Monk llegó durante su ciclo de presentaciones en el viejo Five Spot, de Nueva York, entre abril y agosto de 1957, cuando actuaba en un bello cuarteto que incluía a John Coltrane en el saxo tenor. Fue un tiempo de prosperidad para ambos. Para "Trane" fue la transformación de un saxofonista avanzado en un gran músico omnipresente para todos los artistas del género. Hasta ese momento, Coltrane había llamado la atención por su excelente solo en "Round´ Midnight" con el quinteto de Miles Davis , trompetista que lo echó de su grupo a comienzos de aquel año por su lamentable estado físico y mental a causa de las drogas. Monk grabó tres discos con John Coltrane. Un primer trabajo en vivo en el Five Spot, luego uno en estudio y finalmente este concierto en vivo en el Carnegie Hall, con Ahmed Abdul Malik en el contrabajo y Shadow Wilson en batería y que acaba de ser editado en CD por el sello Blue Note-Emi. De la grabación en el Five Spot al Carneggie pasaron sólo dos meses y el grupo suena en gran forma. Monk despertó a Coltrane El pianista abrió la mente a las posibilidades rítmicas y armónicas que no había considerado antes. Por aquellas actuaciones, Coltrane tomaba la primera parte de un tema y lo tocaba veinte veces y ése era todo su solo. "Parecía que su intención era separar la melodía del cuerpo y tomar cada uno de los acordes como una improvisación en sí misma. Superadora y desafiante y aunque era maravilloso escucharlo y verlo, también era un poco aterrador. Era como observar a un hombre maduro aprendiendo a hablar y creo que era eso lo que estaba pasando", escribió Baraka. Es indudable que de los tres registros, el del Carnegie Hall es el de mayor nivel. A esta altura el cuarteto había conseguido para ese 29 de noviembre de 1957 una prestancia única. Sonoridad personal, un swing elegante y una noche con duende son los atributos del disco "Thelonious Monk Quartet with John Coltrane at Carnegie Hall", una noche en que además de este grupo estuvieron Billie Holiday, Sonny Rollins, Dizzy Gillespie, Ray Charles y Chet Baker. En poco tiempo, dos meses, Coltrane dio un gigantesco salto que quedó registrado en esta placa. Hiperexpresionista, el saxofonista desarrolló en este concierto un repaso de toda la tradición de los grandes tenores. Hubo como una sociedad de increíble combustión entre Monk y Coltrane. La música del pianista se caracterizaba por la austeridad, por la reducción a mínimas ideas germinales, en contraste con la abundancia de Coltrane. Por ejemplo, "Monk´s Mood" comienza con una introducción de piano del tipo "balada deconstruida" que parece ir buscando la melodía. Monk toca como alguien que camina en terreno minado. Paso a paso, su música suena a duda, aunque no la haya. Esos brevísimos silencios hacen de sus solos definitivamente únicos, brillantes. Con el pianista Coltrane seguro de sí. En él, la duda quedá atrás y avanza sobre la diagonales de la arquitectura monkiana. "Crepuscule with Nellie" y "Nutty" suenan terminados. Mientras que en el primero, se escucha una llamativa empatía entre el baterista Shadow Wilson (un talentoso instrumentista que murió dos años después, a los 40) y "Trane" en los arreglos, durante el segundo tema, un blues, aparece aquel Coltrane que insiste sobre unos pocos acordes de la frase. Para aquellos que gustan comparar un tema interpretado en diferentes momentos, aquí está esa belleza de "Epistrophy", que fue tocado en los tres discos de Monk con Coltrane. En el Carnegie Hall cambiaron los primeros dos compases que redundó en un comienzo más fuerte para Coltrane. Su sonido es duro, como el momento que seguramente atravesaba al haber dejado, poco tiempo atrás su adicción a la heroína. Surgía en el escenario como un ave fénix; comenzaba a desplegar sus hojas de sonido. Intenso, el grupo de Monk hacia un hard swing con estructuras rígidas en el ritmo y mucha improvisación melódica. De los temas elegidos por Monk para su concierto del Carnegie Hall, aparece una versión de "Blue Monk" de antología. El arranque es perfecto, pero antes del primer puente que será para Coltrane se siente una mínima pérdida de seguridad. Suena a pequeña duda que durante el solo del saxofonista quedará diluida. Infaltable por el altísimo encuentro de estos dos gigantes que no volvieron a encontrarse sobre el escenario. Quizá sintieron que en esta relación ya habían dicho todo lo que sabían.

Thelonious Sphere Monk, Biografia

Magnifico pianista y extraordinario compositor, Thelonious Monk, (1917-1982), se traslada desde Rocky Mount, la localidad donde nació, con su familia a New York con apenas tres años. A los cinco o seis años ya golpetea las teclas y a los once recibe lecciones de piano. De adolescente acompaña al órgano y al piano a su madre, que canta en una iglesia baptista, y a comienzos de los años 30 empieza a tocar en un local de su barrio como integrante de un trío. Tras ganar un concurso de aficionados al piano en el famoso Theatre Apollo de Harlem, realiza breves estudios en la "Julliard School" en 1939 y mas tarde se asocia con el baterista Kenny Clarke, que por entonces trabajaba establemente en el "Minton's Playhouse" de Harlem, el club fundacional del bebop años mas tarde. Casi al mismo tiempo, Kenny Clarke, le presenta a Bud Powell, pianista habitual de ese club y con el que establece una buena amistad.Es precisamente al lado de estos músicos y junto con el saxofonista alto, Charlie Parker, el trompetista Dizzy Gillespie, y el guitarrista, Charlie Christian, con quienes inventa el nuevo sonido del jazz moderno y que todos conocemos como bebop. Las jam sessions del Minton's son rápidamente anunciadas de boca en boca y todos los músicos importantes de New York y todos los aficionados al jazz, pasan por Harlem para oír a los jóvenes músicos que se atrevieron a dar por terminada la era del swing con el nacimiento de la nueva y revolucionaria música. En 1944, Monk, conoce a Coleman Hawkins, con quien toca en el Club Onyx de la Calle 52 y con el que graba sus primeros discos, que luego serían consideradas las primeras grabaciones oficiales del bebop. Luego toca con el trompetista Cottie Williams y el saxofonista Skippy Williams y en 1946, con la big band de Dizzy Gillespie. En 1947 graba finalmente bajo su nombre, en combo y en trío, para el sello Blue Note una serie de discos extraordinarios y actúa en diferentes clubes hasta 1951. Fue su época dorada. En aquellos años, ya con un estilo pianístico conciso y perfecto, con una madurez estilística consolidada y con la creatividad a flor de piel, Thelonius nos dejó sus mejores composiciones, algunas de ellas, verdaderas obras maestras que se han convertido con el paso del tiempo en verdaderos estándares del jazz. Tres hay que destacar necesariamente, la bella "Round About Midnight", su extraordinaria composición "Straigh No Chaser" y su clásico "Blue Monk"Pero desgraciadamente los buenos tiempos se le acabaron pronto y en 1951 es arrestado junto a Bud Powell por consumo de estupefacientes. Tras dos meses de cárcel le retiran el permiso de trabajo, lo que le impide actuar en los clubes de Nueva York hasta 1957. Fue casi una sentencia de muerte para su creatividad. En 1954, y tras una malísima racha económica solo superada por malísimos contratos mal pagados fuera de New York, y con una voluntad de hierro y arropado por su familia, no dejó nunca de componer ni de tocar el piano en su domicilio, hasta que en 1954, se cruzó en su vida la baronesa, Pannonica "Nica" de Koenigswarter, quien le ayuda económicamente hasta que le devuelven en 1957 el carné de músico. Nacido de nuevo para el jazz, Thelonious Monk, realiza una vuelta triunfal para tocar en el recién inaugurado club, Five Spot con John Coltrane y mas tarde, con Johnny Griffin y Roy Haynes. El éxito fue tan rotundo que el contrato se prolongó por espacio de seis meses y comenzaron las giras por Europa y Japón -donde ofrece en Tokyo, un concierto extraordinario- y actuaciones por doquier en conciertos y festivales. Incorpora a su grupo al saxofonista Charlie Rouse (1959-1970); alguna que otra vez actúa en big band y a partir de 1961 toca sobre todo en cuarteto. En 1971, tras una hospitalización, aceptó unirse a una gira europea del grupo "The Giants Of Jazz" junto a Dizzy Gillespie y Art Blakey entre otros. Finalmente grabó con Blakey y el bajista, Al McKibbon y también a piano solo, en una sola session en Londres tres magníficos álbumes que luego resultarían ser sus últimos discos.En efecto, al año siguiente, en 1972, después de muy escasas apariciones, se retira y se encierra en el mutismo hasta su muerte en 1982. Sin dar explicaciones a nadie, debió decidir que estaba cansado y no volvió a parecer mas en publico. Los diez años que todavía vivió los pasó encerrado en su casa o temporalmente en casa de su protectora la baronesa "Nica". Algunas visitas por su cumpleaños de sus amigos, especialmente Charlie Rouse, transcurrían en el silencio mas absoluto. Finalmente una hemorragia cerebral el 17 de febrero de 1982 puso fin a su vida en el Hospital de Englewood de New Jersey, pero no a su historia.

Wednesday, February 01, 2006

Andres Calamaro, Biografia

Nace el 22 de agosto de 1961, en Buenos Aires. Desde pequeño mostró su inclinación por la música, y cuando todavía estaba en la escuela primaria compuso su primera canción bajo el título "La chica del paraguas", sin saber que otra banda de rock, Los Gatos, ya había usado ese título.Cuando tenía 17 años, junto al grupo Raíces, grabó por primera vez en un estudio, participando en el álbum B.O.V. Dombe. Desde ese momento, Calamaro decidió trabajar en la composición de canciones. Poco después de haber grabado con Raíces forma su propia banda, la Elmer Band, junto a su amigo el guitarrista Gringui Herrera.Por aquellos días regresaba a Argentina uno de los iniciadores del movimiento rock de ese país, Miguel Ángel Peralta, más conocido como Miguel Abuelo, quién al volver a juntar a Los Abuelos de la Nada, invita al joven Calamaro a participar como tecladista de la banda. Llegó el éxito y en los recitales de la banda se congregaban multitudes y las radios no paraban de pasar los temas "Sin gamulán", "Mil horas" y "Costumbres argentinas", entre otros.En 1985 decide sacar su primer trabajo como solista, y edita Hotel Calamaro, por esos días y luego de diversos problemas con Los Abuelos de la Nada, se separa del grupo para dedicarse por completo a su propia carrera. Poco tiempo después llega el turno de su segundo trabajo como solista, Vida Cruel, de la mano de una importante selección de músicos, ya que él no contaba con una banda estable para sus presentaciones y grabaciones. El disco obtuvo una muy buena crítica, pero no tuvo el éxito esperado en las ventas.Después de un año, Andrés decide cambiar su rumbo musical y vuelve a su primer amor, el rock and roll. Esto se reflejó en un nuevo trabajo del artista: Por mirarte, que recibió una buena acogida por la crítica, pero que dejó qué desear en cuanto a ventas. Entre los temas más destacados del disco cabe citar "Loco por ti" (compuesta por Sergio Makaroff), Cartas sin marcar (escrita a medias con Ariel Rot) o "Me olvidé de los demás" (cantada con León Gieco). El trabajo tardó en ser editado, pero Calamaro no perdió el tiempo, ya que por esos días comenzó a trabajar como productor musical de bandas como Los Fabulosos Cadillacs, Los Enanitos Verdes, Don Cornelio y La Zona (banda liderada por Palo Pandolfo, quien luego formaría Los Visitantes).Si bien Calamaro tuvo éxito como productor musical, se sentía más a gusto componiendo y tocando sus propios temas. Fue por tal motivo que, junto a Gringui Herrera, su amigo de siempre, y a Ariel Rot, quien recién había regresado de España, formó una nueva banda. Llegado 1989, Andrés y su banda grabaron junto a varios músicos invitados el álbum Nadie sale vivo de aquí, el cual fue elegido como el mejor del año.Debido a que la situación económica en Argentina no era favorable, en la primavera de 1990 decide partir a España, donde se junta con Ariel Rot y Julián Infante, dos integrantes del grupo Tequila, para llevar a cabo un nuevo proyecto musical bautizado Los Rodríguez. Luego de varios años como solista, Calamaro volvía a formar una banda que terminaba su formación con Germán Villela y Daniel Zamora. La banda editó tres álbumes en estudio (Buena Suerte, Sin documentos y Palabras más, palabras menos) y uno en directo (Disco Pirata).Buena Suerte tuvo mucho éxito en Buenos Aires. Este álbum contenía el tema "Mi Enfermedad", que Diego Maradona, en una versión cantada por Fabiana Cantilo, eligió para hacer escuchar al público presente en el estadio el día que debutó en España como jugador en el Sevilla.El tercer disco, Sin documentos, fue el mayor éxito de la banda. Los llevó en varias giras por España y Latinoamérica y los colocó en la cima del rock en español, siempre buscando una nueva estética e incorporando sonidos distintos al rock como el flamenco y la rumba.Andrés Calamaro no podía contener su capacidad creativa, y al mismo tiempo que tocaba con Los Rodríguez seguía componiendo. Es así como editó Grabaciones Encontradas, que corresponde, tal como lo dice su título, a grabaciones encontradas en baúles, muebles de la casa de sus padres y temas en los cuales el músico es acompañado por personajes como Luca Prodan, vocalista de Sumo.Pero la actividad con Los Rodríguez continuaba a un ritmo feroz. Hicieron Palabras más, palabras menos en 1995 y un año después la agrupación decide separarse, aunque antes realiza una recopilación de sus mejores temas, algunos grabados en estudios y otros en vivo. Este álbum recopilatorio se denominó Hasta Luego, disco que consolidó la banda en lo que a ventas se refiere y que los llevó a realizar una gira española junto a Joaquín Sabina. Allí conoció a la mujer del jienense, Lucía Folino, una poeta argentina que fue una gran inspiración para el cantante argentino.Ya en 1997, cuando la exitosa etapa junto a Los Rodríguez había concluido, Calamaro emprende un nuevo proyecto que lo llevaría a Estados Unidos. En este país graba, junto a músicos de sesión, los temas de su nuevo trabajo como solista, que se titula Alta suciedad e incluye canciones como "Flaca", "Media Verónica" y "Donde manda marinero". Prácticamente todas las canciones del disco son potenciales hits. El disco superó las 500.000 copias vendidas en todo el mundo y llevó al músico a realizar gran cantidad de recitales, en los cuales compartió el escenario con músicos como Fito Páez y Joaquín Sabina, entre otros.Calamaro continuó con su veloz ritmo de composición, y en un lapso de seis meses, entre fines de 1998 y mediados de 1999, más de 100 canciones estaban listas para ser editadas, pero por problemas de espacio sólo se editaron 37 de ellas. Fue así como nació Honestidad brutal, el disco más largo de la historia del rock argentino y, para muchos críticos, el mejor trabajo de Andrés Calamaro. El disco incluye temas como "Paloma", "No tan Buenos Aires", "Con Abuelo" (en homenaje a Miguel Ángel Peralta), "Los Aviones" y una versión , junto a Virgilio Expósito, del tango "Naranjo en Flor".El año 2000, luego de hacer una selección de 300 temas, de 500 que graba, el artista viaja a España con sus músicos (Ciro Fogliata, Guillermo Martín, Candy Caramelo, Gringui Herrera y el "Niño Bruno") y graba las 103 canciones finales que fueron presentadas en El salmón, un disco histórico para la industria musical argentina por contener cinco CDs.El músico pasó cuatro años sin editar material alguno. El vacío comercial se llenó con participaciones esporádicas, que incluyeron hits como "Para siempre" junto a Los Ratones Paranoicos, "Nada de esto fue un error" con Coti o "Ranchada de los paraguayos" con Niño Josele. A partir de su trabajo en El salmón, Calamaro se manifiesta a favor de la libre circulación de canciones por la red. "La música es de los que la quieren escuchar y de nadie más", afirmaba hasta el hartazgo el compositor.Para apoyar con la acción esta filosofía comenzó a brindar a sus fanáticos con páginas en Internet el material que él producía en estudio doméstico. Estas canciones aparecieron primero en Deepcamboya [1], un sitio bautizado con el nombre del estudio en donde el artista pasa horas escribiendo canciones. Los materiales colgados en la red eran de baja calidad sonora, por lo cual un grupo de seguidores (Camisetas para todos [2]) se encarga de remasterizar el material y, con el permiso de Calamaro, lo dejan disponible en Internet. Para asegurar la calidad total de sus grabaciones, Andrés Calamaro funda Radio Salmón Vaticano, iniciando así una suerte de ciberestudio de grabación en el sitio web oficial [3]. No obstante, su ausencia en las tiendas de discos se hacía cada vez más notoria.En febrero de 2004 edita El cantante, un disco de versiones de boleros y temas del cancionero latinoamericano. Además, Calamaro agrega tres temas que estuvieron de algún modo circulando por la web: "Estadio Azteca", "La libertad" y "Las oportunidades". Este disco fue producido por Javier Limón y grabado en su estudio. Además cuenta con la participación de músicos del calibre de Niño Josele y Jerry González.Luego de idas y venidas entre Madrid y Buenos Aires, se reencuentra con sus viejos amigos de Bersuit Vergarabat y, tras acompañarlos en el cierre de su gira a finales de 2004, se unen a ensayar parte del repertorio de Calamaro.El año 2005 encuentra a Calamaro de vuelta arriba en el escenario. El 11 de febrero se presenta, secundado por Bersuit Vergarabat, en el festival Siempre Rock, llevado a cabo en Cosquin, provincia de Córdoba (Argentina). La emoción transmitida por el público obligó a que Calamaro se subiera de nuevo a un escenario, pero esta vez en Buenos Aires. Los días 10, 11 y 12 de abril, Calamaro pisaba el Luna Park. Lo acompañaron en esas noches músicos tales como Juanjo Domínguez (con quién interpretó los tangos "Como dos extraños" y "Por una cabeza"), Juanse (líder de Los Ratones Paranoicos, con quién le rindió homenaje al fallecido Norberto Napolitano, Pappo, en las canciones "Desconfío" y "Tren de las 16"), Andrés Ciro Martínez (líder de Los Piojos, que aportó la armónica y su voz a canciones como "Alta suciedad") y, por último, su hermano Javier Calamaro, interpretó "No me nombres". El día 12, Gustavo Cordera reemplazó al ausente Juanjo Domínguez, e interpretaron "Estadio Azteca", "Mi Tierra" de Litto Nebbia y el clásico de Bersuit "Mi Caramelo".Quedaron atrás sus tres conciertos en el Estadio Luna Park y, en la actualidad, Calamaro aparece como invitado de grupos y solistas amigos, tanto en grabaciones como en conciertos. Entre otros tantos, Calamaro ha compartido escenario últimamente con Vicentico (en canciones como "Vasos vacíos", "El cantante" o "Algo contigo)y Kevin Johansen (interpretando a dúo el clásico de The Beatles "We can work it out"). Además, cabe mencionar su participación en la vuelta de Los Gatos, poniendo su voz en las canciones "Solo se trata de vivir" y "Mi tierra".En la primavera en Argentina del 2005 Calamaro se encuentra sentimentalmente ligado a la actriz Julieta Cardinali y promete seguir subiendo a los escenarios como invitado de diferentes músicos (como los chilenos de La Ley). Por otro lado, tras editar su nuevo disco, El Regreso, con el contenido de uno de los conciertos dados en Luna Park de Buenos Aires (y que le servirá para terminar su contrato con la discográfica DRO), se encuentra grabando junto al guitarrista español El Niño Josele un disco de tangos, para el cual lleva registradas más de 36 maquetas. Este disco saldrá en la discográfica de Javier Limón.Además se esta preparando un disco tributo a esta leyenda del rock argentino.

Bob Dylan, Biografia

Músico, cantante y poeta estadounidense. Su verdadero nombre es Robert Allen Zimmermann. Nació en Duluth, Minnesota (Estados Unidos) en 1941, en el seno de una modesta familia de comerciantes judíos, con los que se trasladó cuando era muy pequeño para establecerse en una aldea de la frontera con Canadá. Será allí, en un ambiente tedioso y muy influido por el trabajo de las minas, donde empezará a estudiar música (piano, guitarra) y a escribir sus primeros poemas. Algunas biografías atribuyen al joven Bob una gran precocidad, pues a los 11 años ya toca con soltura la armónica y escribe sus primeras canciones. A los 16 años había formado su primera banda, Golden Chords. En 1960 se traslada a Minneapolis para estudiar letras y al año siguiente abandona las aulas para frecuentar la bohemia de la ciudad y actuar en público con su nuevo nombre, Bob Dylan, adoptado en homenaje al poeta galés Dylan Thomas. Deslumbrado por la personalidad del poeta y cantante folk Woody Guthrie, compone un tema que adquirirá fama, Song to Guthrie , y que caracteriza sus comienzos artísticos. Bob Dylan es un joven comprometido en la lucha contra la injusticia y quiere seguir la senda que, desde esta perspectiva, han trazado algunos poetas y cantantes como Pete Seeger o Jack Elliot y sus ídolos malditos : Rimbaud, Eliot o Brecht. Al año siguiente Dylan se traslada a Nueva York y, empujado de sus querencias bohemias, frecuenta el Greenwich Village, donde trabará relación con diversos artistas del mundo del folk y del blues y, siguiendo su estímulo, comienza a cantar en algunos programas en directo, lo que le llevará a grabar su primer disco, Bob Dylan, que supone un fracaso comercial. A este trabajo seguirán en 1963 los álbumes The Freewhelin´Bob Dylan y The Times They Are A-Changin, que le consagran como uno de los representantes más destacados de la nueva ola de compositores de canción protesta. Dylan colabora con algunas de las organizaciones que defienden los derechos cívicos y se oponen al belicismo que su país mantiene en política exterior, así como a las desigualdades sociales que impregnan de pobreza grandes capas de la sociedad americana.Su lenguaje deslumbra por su carácter renovador, discurriendo entre la modernura de la parodia y la profundidad de la metáfora, lo que le aporta un aura casi profética. Cuando por esos años Dylan proclama, ante la decepción de los sectores juveniles, que "la respuesta está en el viento", su mensaje radicalmente pacifista conquista a multitud de adeptos que ven en él una representación de la esperanza. En esa época comienza su relación con Joan Baez, consagrada por el éxito de ambos en el festival folk de Newport de 1963. Los dos son proclamados reyes del folk y simbolizan las ilusiones poéticas y materiales de las generaciones más jóvenes frente a la tragedia que supone la muerte de John Fitzgerald Kennedy (22 de noviembre). Está aún por producirse el primer cambio traumático en la trayectoria de Bob Dylan, del que es anuncio el álbum Another Side of Bob Dylan (1964) y confirmación Bringing All Back Home (1965). Este último trabajo, más intimista, sentimental, pero aun así resuelto, despertaría las iras de sus seguidores, puesto que representaba el paso del profeta del folk a la música eléctrica.La grabación del tema Like A Rolling Stone le confirma como una figura consagrada a escala internacional, fiel a su propio mundo: sus temas escalan las listas comerciales de Estados Unidos y Reino Unido, y poco a poco el resto del mundo. No obstante, en su país es un incomprendido y así se aprecia cuando edita el doble álbum Blonde On Blonde (1966), que describe las experiencias de sus últimos años, subrayando su alejamiento de la vida pública, sus desengaños amorosos y sus relaciones con diversas drogas, así como un accidente del que hubo de recobrarse durante una larga convalecencia. En 1969 publicará Tarántula, un volumen donde da espacio a su vena poética, aunque en el momento de su aparición fue considerado como un tratado anfetamínico . Es el acid rock, que compaginará con periódicos retornos al folk, al country y a las baladas amorosas. Mantendrá la misma línea en trabajos posteriores, como Self Portrait (1970), Pat Garret and Billy The Kid (banda sonora de la película homónima dirigida en 1973 por Sam Peckinpah) y otro de sus temas estelares, versioneado en múltiples oportunidades por los artistas más variopintos: Knocking´ On Heaven s Door . A este seguirán Dylan (1973), Planet Waves (1974), Blood On The Tracks (1974), Basement Tapes junto a The Band (1975), y filmaría además una película de casi cuatro horas de duración, titulada Reinaldo y Clara, vapuleada por la crítica. Sus trabajos siguientes son Hard Rain (1976) y Street Legal (1978), discos que abundan en los aspectos más oscuros de su personalidad.Se abre así un periodo caracterizado por el predominio de las melodías y los tonos suaves: Bob Dylan ha vuelto a cambiar, aunque permanece fiel a sus mitos poéticos personales y más acendrados, y a las causas por las que siempre mostró simpatía: Woody Guthrie y un rico y apasionado subjetivismo que se expresa a través de ciertos motivos místicos (la cruz, la redención), de sus reflexiones sobre la injusticia, la lucha contra la opresión y el racismo (el tema Hurricane se convirtió en un himno contra la discriminación) y constantes recuerdos de amor y desamor. Por esos años aparecerán At Budokan (1978), Slow Train Coming (1979), que ya auguran nuevos cambios ante la nueva época, cristalizando en Saved (1980), Shot Of Love (1981), Infidels (1983), Empire Burlesque (1985), Biograph (1985) y Oh Mercy (1989), además de multitud de discos recopilatorios y antologías. En los últimos años sus giras han sido incontables, renaciendo su figura cada cierto tiempo por sus colaboraciones con bandas como Greateful Dead, Tom Petty y los Heartbreakers y amigos como Sam Shephard, Carole Bayer Sager o Emilou Harris, coautores de algunos de sus últimos temas desde los años ochenta. En 1995 Dylan ganó un premio Grammy por el vídeo de su canción World Game Wrong , que avaló la grabación de un Unplugged, modalidad tan en boga a finales de este milenio. Asimismo su curiosidad por los avances técnicos, al igual que grupos progresivos como Yes, The Rolling Stones o figuras individuales como Prince, Peter Gabriel o David Bowie, le ha llevado a grabar un CD-Rom interactivo, Highway 61, que incluye el concierto celebrado en su homenaje en 1993 en el Madison Square Garden de Nueva York.